Cuaderno en Vertical

2011-08-20T08:57:00.000-07:00

pues eso, seguimos informando

2011-08-17T05:34:00.000-07:00

Porque últimamente, este año, todo lo parece.

2011-08-07T16:46:00.000-07:00

Lo hice, síii!

Vortex

2011-07-02T09:40:00.001-07:00

Bundesflaggen

2011-05-25T06:24:00.001-07:00

2011-05-25T06:11:00.000-07:00

data="https://sites.google.com/site/bundesflaggen/Bundesflaggen.nieves.swf.swf" width="399" height="612">

2011-05-14T12:00:00.000-07:00

"Instead of becoming a photographer, figure out what to do with the enormous numbers of images - how to find the relevant ones, present them, contextualize them, link them with other media, use them effectively.

(...)

And then take a deep breath (never forget to breathe), and start making the new kinds of imaginery that a digital/quantum/code-based/abtracted/semi-virtual/problematic world requires"

Fred Ritchin

2011-04-16T14:15:00.000-07:00

nuevo "bolso" para mis herramientas

Intervención en Matadero Dfest11

2011-04-16T12:56:00.000-07:00

... y este columpio en el que se balancea la dama de la melena es el mío, con el participé en el festival Dfest11 gracias a la amabilidad y la ayuda de los organizadores, que lo tuvieron que montar mientras yo cogía un avión.

Frontera

2011-04-01T08:47:00.001-07:00

Frontera from Ene de la eFe on Vimeo.

2011-04-01T08:43:00.000-07:00

Columpio al Dfest11!
Yo de vuelta a madrid

2011-04-01T08:37:00.000-07:00

Ironía/Pasión

2011-02-20T15:41:00.000-08:00

habemus web!

2011-02-19T17:33:00.000-08:00

http://www.nievesdelafuente.com/

Grenze

2011-02-07T16:43:00.000-08:00

Stills de las versiones alemana y espaniola del video.

Exposición "Fin de Licenciatura"

2010-12-12T04:40:00.000-08:00

Fotografías de Javier Ramírez Serrano (gracias por todo ^^)

Fenster

2010-12-12T04:24:00.000-08:00

Más en flickr

Bundesflaggen - Teil 39

2010-12-06T14:17:00.000-08:00

Más en Flickr

2010-12-06T14:12:00.000-08:00

ahora hago cuadernitos también ...

Kassel kennen

2010-10-08T18:10:00.000-07:00

Stylo

2010-09-24T06:13:00.000-07:00

2010-09-23T17:01:00.000-07:00

y esto es lo que he hecho durante el verano, más bien poco, la verdad...

2010-09-15T07:45:00.000-07:00

A todos nos dan los cambios algo de regomello...

Por cierto, suerte para aquel que viaja mañana y que parece que hoy se lo hubiera comido la almohada de un solo bocado.

2010-09-09T15:59:00.000-07:00

Y por fin toca actualizar, en el epílogo de mi verano, caluroso y con menos moscas que el pasado. Esta es la primera entrada de un mes en el que recapitulo el verano en forma de perorata que se acorta o alarga más o menos, carcomida por la perspectiva del mes siguiente: pasar la hoja del calendario en una pirueta que me desubica de esta ciudad.

Igual de desubicada me quedé con la propuesta de un ejercicio sobre EL ANIMAL. Así que como todos habréis averiguado, me fui al alegre señor del bigotito, George Orwell.

IKAS-art 2010

2010-08-01T12:01:00.000-07:00

Este año he participado en la segunda edición de Ikasart, aquí os dejo una foto del recinto.

Participé con estás 3 piezas:
Homenaje a Barnett Newman
Homenaje a Bruce Nauman
Homenaje a Dan Graham

Iré subiendo más fotos del lugar. Fue emocionante^^

juego

2010-06-11T10:19:00.000-07:00

Fotografías realizadas por Alejandro Jiménez Sánchez-Garrido

interior

2010-06-09T11:17:00.000-07:00

Próximamente el tanque al completo...

2010-06-06T18:23:00.000-07:00

Muffin from Ene de la eFe on Vimeo.

tilin!

2010-06-06T06:01:00.001-07:00

subiendo corto

fotomontaje

2010-04-26T15:19:00.000-07:00

Muffin!

2010-04-22T10:28:00.000-07:00

wi

2010-04-11T14:05:00.000-07:00

me duele la tripa...

D.I.Y.

2010-04-11T11:58:00.000-07:00

Tenía grandes planes para vosotros, pero ahí se quedan...

2010-04-04T17:34:00.001-07:00

2010-03-27T08:54:00.000-07:00

2010-03-26T10:52:00.000-07:00

Esta tostada da problemas aún...

Carteles

2010-03-22T16:45:00.000-07:00

Jelly time!

2010-03-20T09:45:00.000-07:00

Nueva versión con skylight

Esta es una de las primeras pruebas que estoy haciendo con 3D Studio

Panzer

2010-02-21T12:52:00.000-08:00

Sí, el único mérito es recortar y pegar un papertoy de un Panzer V Tiger que encontré en internet (con muchos detalles, por cierto) pero las fotos son graciosas y dan una pista, como bocetos que son, de la próxima escultura que tengo entre manos.

"I want to believe"

2010-02-21T11:27:00.000-08:00

Aquí dejo colgada otra cosa que también tiene cierto tiempo, cuando le hayáis echado un vistazo, por favor, mirad el comentario "explicativo"

Corsé

2010-02-21T10:50:00.000-08:00

Cuelgo por fin las fotos del corsé terminado con su correspondiente perchero en hierro. Por si no lo recordáis esta era la entrada en la que apareció por primera vez: http://cuadernodepreartista.blogspot.com/2009/04/bocetos-previos.html

Homenaje a Barnett Newman

2010-01-08T05:47:00.000-08:00

Homenaje a Bruce Nauman

2010-01-08T05:25:00.001-08:00

homenaje a Dan Graham

2010-01-08T04:35:00.000-08:00

no sé, realmente...

2009-09-23T09:32:00.000-07:00

hola, tengo una vaca...azul?

2009-09-20T07:40:00.000-07:00

Yo sigo poquito a poquito. La vaca ha terminado por ser un despropósito, pero he aprendido cosas de ella, hm!

2009-09-12T11:21:00.000-07:00

No hace falta que diga que es un fotograma de una pilícula. Lo sigo intentando con las acuarelas.

Logo Eidos 0.2

2009-09-10T06:41:00.000-07:00

Eidos: http://www.myspace.com/450343545

2009-09-03T05:52:00.000-07:00

bébete el zumo

2009-08-28T04:10:00.000-07:00

Otro trabajo encaminado a entender un poco mejor los lápices de colores y nuevas posibilidades del dibujo. Para ello, una historia recurrente, ¿por qué no? El zumo de naranja entra dentro de ese grupo de alimentos de límites inciertos en los que cada segundo que pasa desde su elaboración es crucial. ¿No os recuerda al máximo establecido en 10 seg que podía pasar una patata frita en el suelo del patio del colegio?. Límite que se tenía en cuenta a la hora de sopesar si recogerla y metértela en la boca, al fin y al cabo una patata es una patata.

Aura Eterna (en construcción)

2009-08-27T05:06:00.000-07:00

Esta era la primera idea para la portada del primer disco de los chicos de Aura Eterna, aún no sabemos si será definitiva.

And a child shall lead them

2009-08-26T06:24:00.000-07:00

A 40º a la sombra

2009-08-26T05:56:00.000-07:00

2009-08-26T05:38:00.000-07:00

Ya estoy de vuelta en algunos lugares y de vuelta y media en algunas experiencias, but it isn't enough...

Le daré algo de vida a esto con la historia de una paloma que tuvo la desgracia de quedar atrapada en uno de los respiraderos de nuestro horno de decere. El horno, encendido durante todo el fin de semana calcinó al animalico para proporcionarnos una de las experiencias más \m/ jevis \m/ de todo el proceso de de fundición (obviando, por supuesto, todas las imágenes de posibles accidentes que te vienen a la cabeza cuando coges una radial después de mucho tiempo).

Imaginad la solidez aparente de los huesos que se deshace en cenizas al mero contacto con los dedos... pooobre palomita

Tu vuo fa'l'americano

2009-07-31T07:08:00.000-07:00

Este dibujo tiene como referencia al Jack de Fábulas, La marcha de los soldados de la madera, de James Jean. Es un ejercicio para aprender a controlar la acuarela, por eso opté por

copiarla y ver qué tal me iba desenvolviendo.

2009-07-30T12:11:00.000-07:00

Plaza Castilla

2009-07-21T15:39:00.000-07:00

Aura Eterna 2.0

2009-07-16T07:33:00.000-07:00

Versiones "definitivas"

Referencias inevitables

Aura Eterna

Pereat Ars (Fiat modes)

2009-06-11T10:28:00.000-07:00

El siguiente proyecto, ocupado por abordar las metáforas que toman como referencia el cuerpo del ser humano, ha tomado forma bajo la apariencia de una colección de moda.

Bajo el nombre “Pereat Ars” tomo como alegoría del cuerpo el propio traje que lo cubre y que, como ya se ha dicho en algunas ocasiones, acabará por modelarlo. Un ejemplo de este fenómeno, algo excesivo quizá, es el antiguo mecanismo de tortura, la doncella de hierro que surge de una mala y macabra interpretación de la “capa de la infamia” (instrumento que no dañaba el cuerpo, que simplemente tenía la función de avergonzar al ajusticiado que la portase). Sin embargo, la tortura, pese a estar presente en alguno de los diseños, no es lo que nos ocupa en estos momentos.

Los ropajes son cuerpo, en la medida que lo recubren. Aunque se trate en origen de un escudo del pudor, que lo protege del beso de los elementos y de miradas ajenas, este es un factor que pretendo dejar a un lado en mi trabajo. De esta forma, los trajes e instrumentos que se presentan, actúan como una prolongación de lo sensorial en el espectador con un solo propósito: enseñarle a ver.

La metáfora del cuerpo como traje no forma parte de un sedero por el que camine sola. Ya los dadaístas emplearon el ropaje y el maniquí como paradigma de la corporeidad y elemento en el que la carnalidad se desparrama.

La marca elegida como supuesta gran entidad corporativa, Pereat Ars, pretende seguir con las líneas promovidas por Max Ernst, con su serie de litografías: Fiat Modes, pereat Ars (1919). La idea de crear una marca surge a partir de los Múltiples de Joeph Beuys. Con las sucesivas ediciones de sus múltiples, el artista se planteaba la posibilidad del espectador de posesión de un fragmento de memoria y de facilitar la relación artista-espectador, transformándola en un artista-fetichista. El fetiche, por la mera obsesión de posesión que está implícita en su significado, resultará más aprehensible al espectador.

Con todos los trajes y complementos diseñados lo que pretendo es acentuar lo sensorial en el espectador hacia los modos de ver que un reducido número de artistas pretende encontrar en ellos. Intento seguir la estela de Jana Sterbak o Rebecca Horn, que ya propusieron hace tiempo diseños potenciadores de estados introspectivos que rallaban lo poético, sobre todo en el caso de la segunda. En mi propuesta, la supuesta marca actúa como detonante para promover ayudas perezosas que permitan al espectador dar concepto a lo percibido, única forma, según Beuys de que la realidad pueda llegar a existir.

Me planteo, no carente de prepotencia, la posibilidad de romper, al menos un poco más, en el espectador la concepción de la visión frontal, heredera de la perspectiva renacentista. Cosa que los artistas llevan haciendo desde hace medio siglo, pero creo que en ocasiones, sin la colaboración suficiente. Cada uno de los trajes es más un modo de comprender que de ver, pues no pretendo en modo alguno suplantar a la obra percibida. Más bien se trata de generar las sensaciones que el artista busca en quien lo mira, o de acentuarlas de una forma táctil, basándonos en un contacto tejido-piel.

Traje para James Lee-Byars

2009-06-11T10:26:00.000-07:00

James Lee-Byars se enfrenta al mundo de una forma mística, basada en los fuertes contrastes, en los deseos y en las afirmaciones extremas. La Muerte de James Lee-Byars es para mí una forma de ratificar que el arte es una forma de hacer entender el mundo. Si podemos escenificar nuestra muerte, almacenando y volviendo actuales elementos anacrónicos, podemos tener el control total sobre ella y sobre nuestro mundo y podemos comprenderlo, al menos, un poco.

“El arte es momentáneo, la experiencia es lingüística”
La Duda perfecta-James Lee-Byars

Precisamente por ello, Lee-Byars se enfrenta al mundo de una forma dialéctica, intentando conciliar contrarios a partir de una pregunta que nunca llegará a responder. Lo importante es conseguir elaborar la duda perfecta, para transformarse en la esfinge perfecta. El espectador debe ser partícipe de esa duda. En cierto modo ya lo es, pues cada generación se pregunta aquello que debe ser preguntado, aunque no llegue a formalizarse. La interrogación debe recrearse en sí misma, sin que la falta de respuesta nos lleve a ser devorados.

Lo importante es la experiencia lingüística, apreciar los signos por lo que son como parte de un lenguaje sin comprender ese lenguaje. Por ello he querido que el traje de Lee-Byars fuese un lenguaje, pero no escrito, ya que jugando con la sinestesia se pueden conseguir resultados interesantes. He recurrido a una serie de símbolos que siempre me han encantado, tanto a la vista como al tacto, aunque nunca he sabido realmente qué es lo que estaba leyendo, el lenguaje en braille. Como total desconocedora, he pretendido imprimir unos signos en relieve, un lenguaje, en principio, de nada, pues no reproduce ninguna combinación lógica de letras. De esta forma sabemos que llevamos puesto un alfabeto y podemos elaborar con él nuestra propia pregunta.

El hecho de no significar nada es fundamental, puesto que de ningún modo tengo yo la potestad de trasladar al espectador mi pregunta, que ni siquiera sé aún cuál es. Preguntas tengo muchas, pero ninguna es la duda perfecta.

Traje para Bruce Nauman

2009-06-11T10:11:00.000-07:00

Bruce Nauman es especialmente reconocido por su gran capacidad interdisciplinaria y la adaptación a las diferentes corrientes de cada época, para cada una de las cuales siempre propone una mirada crítica.

Es por todo esto que el artista es consciente de las nuevas posturas en el espectador. Este se encuentra tan conmocionado por la pérdida de referencias visuales y añora tanto la visión frontal, que se vuelve completamente apático ante las propuestas artísticas. Los nuevos modos de ver siguen dos corrientes diametralmente opuestas: neutralidad y violencia. Se puede hostigar al espectador o no mostrarle nada en absoluto.

Nauman opta por la primera de las opciones y hay que decir que entra en el juego de una forma correcta y educada Please pay attention please, que poco a poco se irá haciendo más abrupta: Pay attention mother fuckers.

Su obra emerge como un golpe al espectador, al que obliga a mirar con formas despiadadas llegando incluso a basarse en técnicas de psicología conductistas como la caja Skinner. Pretende trasladar al espectador el desamparo aprendido en ratas de laboratorio y ejercer sobre su ojo el dominio que no consiguió con palabras amables.

El traje propuesto para Bruce Nauman parte de la voluntad de conducir al espectador, provocando en él una reacción inducida por un manipulandum (en psicología conductista, mecanismo que se acciona en el proceso y que se aprende, aunque no se trate de una acción propia del sujeto).

John B. Watson, preocupado por eliminar la introspección de entre los mecanismos de la ciencia psicológica fue el desarrollador de un movimiento conductista radical. Sin embargo, puesto que el artista lo que pretende, a mi entender, es conducir al espectador a su propia introspección, ambos conceptos deberían estar presentes en el traje diseñado para Nauman.

He optado por un vestido ajustado e hinchable, fabricado a partir de las abrazaderas de los baumanómetros empleados para medir la presión sanguínea. Bajo el vestido, una serie de fonendoscopios registran las palpitaciones del sujeto. A su vez, se han proporcionado al espectador unas gafas que, literalmente, le obligan a mirar, tal y como le sucedía a Alex en la película de Kubrick.

La obra de Bruce Nauman nos golpea en la cara, nos corta y daña, precisamente para denunciar el daño en sí mismo. Por ello, el espectador, amenazado, que tiende a cerrar los ojos, no es capaz de hacerlo y su pulso se acelera. Este pulso acelerado se intensifica, ampliándose al circular por la gargantilla que forman los cables de los fonendoscopios, pasando de 20dB a 120dB. El umbral estándar del dolor se sitúa a 140dB, así que algo hay que hacer, quizá intentar calmarnos… Conviene decir que cuando el espectador recupera un ritmo cardíaco normal, entre 60 y 100 ppm, los estetoscopios recuperan su volumen normal.

Analizando los elementos conductistas, creo que el sensor que regula el volumen, superadas las 140ppm, actúa como un manipulandum, que el espectador ha de sufrir. Posteriormente aprenderá que para disipar el ruido, sólo debe relajarse, estaríamos hablando aquí de un estímulo discriminativo. Sólo nos quedaría poder probarlo e espectadores reales para elaborar un registro acumulativo, es decir, una gráfica en la que pueda quedar constancia de las respuestas operantes, tiempo empleado, etc.

Traje para Dan Graham

2009-06-11T10:10:00.000-07:00

Por lo que respecta a este artista he tomado como referencia instalaciones como Public space/Two audiences y sus pabellones espejados. El artista emplea materiales que imposibilitan al espectador para diferenciar el interior del exterior. El aparente cristal de las instalaciones no ofrece una visión del interior o a la inversa.

De esta forma desconcierta al espectador rompiendo sus esquemas básicos de visión, basados en los preceptos euclidianos y en la concepción antropocéntrica que establece el ojo humano en el punto de fuga de todas las composiciones. El espectador se desorienta sin poder echar mano de la maquina perspectiva que Alberti diseñara en el siglo XV.

Por todo ello en mi propuesta para Dan Graham, he pretendido potenciar esa confusión dentro-fuera que tendría el espectador para trasladarla a su propio cuerpo cuando mira la obra. Por ello, con la elaboración de un traje espejado, que a su vez es plegable, pretendo generar la sensación de espacio infinito que se produce al enfrentar un espejo a otro en planos paralelos. El que mira, con el vestido puesto se ve a sí mismo vistiendo a Dan Graham en una secuencia imposible que acaba por describir una curva y perderse en ningún punto perspectivo.

Este es uno de los primeros trajes con complemento asociado, que son unas gafas caleidoscópicas. Este objeto, que raya más en el chisme o artefacto que en un atuendo de pasarela es otra nueva forma de volver la visión a-perspectiva. La realidad reflejada en Dan Graham se vuelve triangular y reiterativa pasa a cumplir las características de un ornamento. El caleidoscopio pasa de ser un juego a un instrumento de desconcierto, con la voluntad de volver a ser en juego, cosa que nunca dejó de ser. Pero que sí perdió prioridad ante el miedo a-perspectivo.

Traje para Beuys

2009-06-11T09:56:00.000-07:00

“El contacto y recepción de la obra están relacionados con la energía acumulada y la apelación a la inmanente imaginación del observador, así como el conocimiento de la superestructura intelectual del autor.”

Joseph Beuys Ensayos y entrevistas- Bernd Klüser

Los modos de ver propuestos por Beuys se centran en la creación de una anti-imagen, que surge de la propia imagen, es la percepción de su invisible y por tanto amplía sus cualidades visuales. Se trata de hacer visible al espectador este nuevo elemento perceptivo, que según Beuys sólo será aprehensible gracias a procesos introspectivos.

El artista, en líneas generales, consideraba el arte como un proceso de innovación estilística que poco a poco se va alejando del espectador. Pretende ponerle solución a este proceso a partir de un pensamiento revolucionario y anti-positivista: “todo ser humano es un artista”.

Si todo ser humano debe revelarse ante el alejamiento de aquello que nos hace comprender el mundo, que es una de las definiciones más hermosas y optimistas que me han dado del arte, lo hará a partir de su participación en él.

Por todo ello, mi traje para Beuys es una estructura introspectiva, que no pretende sustituir a la imaginación del espectador, sino potenciarla al introducirlo en un espacio de silencio. En ella reflexionaremos y nos prepararemos para la visión que se avecina, conseguiremos un estado propicio para comprender la perspectiva abstracta de Beuys.

Version del cartógrafo

2009-06-11T09:09:00.000-07:00

Pieza realizada a tamaño real en caramelo

Prueba 1

La palabra “caníbal” tiene su origen en la palabra “Caribe” y en las acusaciones que los arahucanos hacían a tribus vecinas relacionadas con su aparente brutalidad. Pues una cosa es cierta, el “caníbal es siempre el otro”.

En los estudios de las tribus o clanes sudamericanos numerosos antropólogos se han encontrado con que son las tribus vecinas las que reciben el calificativo de caníbales. Los autóctonos de un clan prevén al extranjero de lo que se puede encontrar conforme avanza en la selva. De igual forma cada tribu se designa a sí misma con calificativos como “los verdaderos”, “los buenos”. Se cumple el precepto que llevo afirmando desde un primer momento, el terror por la alteridad.

Aún así, existen diferentes tribus en las que se han registrado distintas formas de canibalismo. Los kwakiutl (Vanccover), por ejemplo, realizaban un canibalismo ritualmente impuesto con un sentido catártico y el posterior vómito de lo ingerido. Los dogon (Mali) se comían el propio prepucio en una ceremonia, lo que nos permite recordar la cantidad de metáforas caníbales relacionadas con la sexualidad.

Los ojos del caníbal:
La diversidad evidente de formas de canibalismo, nos lleva a mencionar aquellas que tienen lugar en el mundo animal, como una forma de ratificar que es un fenómeno que tiene lugar y en el que conviene pensar. Para comparar ambas formas de canibalismo me gustaría apuntar lo siguiente: una de las razones de canibalismo animal, al menos la que más me ha llamado la atención, es su sistema de identificación del otro. La alteridad, concretada en un individuo, no se interpreta por recuerdos o por asimilación de rasgos morfológicos, como sucede en el ser humano, sino por mecanismos químicos como el olor. El retraso en la descodificación de las feromonas del congénere o las posibles perturbaciones del medio son las principales causas del canibalismo. De ahí que en ciertos trabajos relacionados con la antropofagia, como es el caso, por ejemplo, de la Baba Antropofágica de Lygia Clark se cubran los ojos de aquellos que toman parte. Buscamos la mirada del caníbal, los ojos de Saturno devorando a su hijo. Es una mirada desbordada en un rostro demudado, es la repentina corrección de la miopía. El caníbal en su mirada adopta cierta actitud soberana en el orden de la posesión del extraño. Comprende que se le atribuye una importancia digestiva, como asimilador de la cultura, asimilador del otro, puede llegar a comprender y en sus ojos se revela la sabiduría de una adivina que lee tripas de pescado.

Esa revelación que entrevemos en su mirada y esos orígenes rituales nos llevan a rozar el esoterismo. A menudo aparece asociado el término caníbal al brujo, como una forma de explicar, o más bien, no explicar, las relaciones entre el hombre y los hechos desafortunados, que no se comprenden del todo, en ese caso, la culpa será “del otro”. De aquello cuyos límites no somos capaces de franquear y precisamente por ello los situamos en el ámbito de lo bestial. Dicho lo cual es muy habitual que en las acusaciones de brujería encontrásemos al condenado envuelto a su vez en supuestos actos zoofílicos, necrófilos, caníbales, incestuosos... César Matínez, escultor mejicano (1962) dentro de este ámbito conflictivo nos plantea sus PerforMANcenas, en las que elaboraba esculturas comestibles a tamaño real de un hombre o una mujer e invitaba al público a participar del banquete.

especias

2009-05-10T13:16:00.000-07:00

Hacia dónde?

2009-05-10T13:14:00.000-07:00

Autóctono

2009-05-10T12:26:00.000-07:00

entre tapices

2009-05-10T12:25:00.000-07:00

en 52 segundos

2009-04-21T13:58:00.000-07:00

2009-04-11T12:18:00.000-07:00

por fin...

2009-04-08T14:37:00.000-07:00

Bocetos previos

all art is contemporary

2009-04-04T16:51:00.000-07:00

2009-04-03T05:06:00.000-07:00

la conducción en Túnez... bien

2009-04-02T12:36:00.000-07:00

desde el Coliseo

2009-04-02T12:28:00.000-07:00

Marta...

2009-04-02T12:23:00.000-07:00

Lluvia en 9mm.

2009-03-11T12:24:00.000-07:00

Lluvia en 9mm.

Cortometraje de animación realizado por Marta G. Huelbes y Nieves de la Fuente Gutiérrez

Enero-marzo 2009

2009-02-25T14:08:00.000-08:00

Soy cutre y se me ha rallado el carrete...

2009-02-19T14:27:00.000-08:00

Apuntes

2009-02-03T14:31:00.000-08:00

Imaginario

2009-02-03T13:49:00.000-08:00

Su verdadero nombre era Paolo di Dono; pero los florentinos lo llamaron Uccelli, es decir, Pablo Pájaros, debido a la gran cantidad de figuras de pájaros y animales pintados que llenaban su casa; porque era muy pobre para alimentar animales o para conseguir aquellos que no conocía. Hasta se dice que en Padua pintó un fresco de los cuatro elementos en el cual dio como atributo del aire, la imagen del camaleón.

Pero no había visto nunca ninguno, de modo que representó un camello panzón que tiene la trompa muy abierta. (Ahora bien; el camaleón, explica Vasari, es parecido a un pequeño lagarto seco, y el camello, en cambio, es un gran animal descoyuntado). Claro, a Uccello no le importaba nada la realidad de las cosas, sino su multiplicidad y lo infinito de las líneas; de modo que pintó campos azules y ciudades rojas y caballeros vestidos con armaduras negras en caballos de ébano que tienen llamas en la boca y lanzas dirigidas como rayos de luz hacia todos los puntos del cielo. Y acostumbraba dibujar mazocchi, que son círculos de madera cubiertos por un paño que se colocan en la cabeza, de manera que los pliegues de la tela que cuelga enmarquen todo el rostro. Uccello los pintó puntiagudos, otros cuadrados, otros con facetas con forma de pirámides y de conos, según todas las apariencias de la perspectiva, y tanto más cuanto que encontraba un mundo de combinaciones en los repliegues del mazocchio. Y el escultor Donatello le decía: "¡Ah, Paolo, desdeñas la sustancia por la sombra!".

Pero el Pájaro continuaba su obra paciente y agrupaba los círculos y dividía los ángulos, y examinaba a todas las criaturas bajo todos sus aspectos, e iba a pedir la interpretación de los problemas de Euclides a su amigo el matemático Giovanni Manetti; luego se encerraba y cubría sus pergaminos y sus tablas con puntos y curvas. Se consagró perpetuamente al estudio de la arquitectura, en lo cual se hizo ayudar por Filippo Brunelleschi; pero no lo hacía con la intención de construir. Se limitaba a observar la dirección de las líneas, desde los cimientos hasta las cornisas, y la convergencia de las rectas en sus intersecciones, y cómo las bóvedas cerraban en sus claves, y la reducción en abanico de las vigas de techo que parecía unirse en la extremidad de las largas salas. Representaba también todos los animales y sus movimientos y los gestos de los hombres con el propósito de reducirlos a líneas simples.

Después, a semejanza del alquimista que se inclinaba sobre las mezclas de metales y órganos y que escudriñaba su fusión en el hornillo en busca de oro, Uccello volcaba todas las formas en el crisol de las formas. Las reunía, las combinaba y las fundía, con el propósito de obtener su transmutación en la forma simple de la cual dependen todas las otras. Fue por esto que Paolo Uccello vivió como un alquimista en el fondo de su pequeña casa. Creyó que podría convertir todas las líneas en un solo aspecto ideal. Quiso concebir el universo creado tal como se reflejaba en el ojo de Dios, que ve surgir todas las figuras de un centro complejo. Alrededor de él vivían Ghiberti, della Robbia, Brunelleschi, Donatello, cada uno de ellos orgulloso y dueño de su arte, burlándose del pobre Uccello y de su locura por la perspectiva, apiadándose de su casa llena de arañas, vacía de provisiones. Pero Ucello estaba más orgulloso todavía. Con cada nueva combinación de líneas esperaba haber descubierto el modo de crear. La imitación no era la finalidad que se había fijado, sino el poder de desarrollar soberanamente todas las cosas, y la extraña serie de capuchas con pliegues le parecía más reveladora que las magníficas figuras de mármol del gran Donatello.

Así vivía el Pájaro y su cabeza pensativa estaba envuelta en su capa; y no se fijaba en lo que comía ni en lo que bebía y se parecía por entero a un ermitaño. Y sucedió que en un prado, junto a un círculo de viejas piedras hundidas entre la hierba, vio un día a una muchacha que reía, con la cabeza ceñida por una guirnalda. Llevaba un largo vestido delicado, sostenido en la cintura por una cinta descolorida, y sus movimientos eran elásticos como los tallos que doblaba. Su nombre era Selvaggia y le sonrió a Uccello. Él notó la inflexión de su sonrisa. Y cuando ella lo miró, vio todas las pequeñas líneas de sus pestañas y los círculos de sus pupilas y la curva de sus párpados y los entrelazamientos sutiles de sus cabellos y en su mente hizo adoptar a la guirnalda que ceñía su frente una multitud de posiciones. Pero Selvaggia no supo nada de eso, porque tenía solamente trece años. Ella tomó a Uccello de la mano y lo amó. Era la hija de un tintorero de Florencia y su madre había muerto. Otra mujer había ido a la casa y había pegado a Selvaggia. Uccello la llevó a la suya.

Selvaggia permanecía en cuclillas todo el día frente a la muralla en la cual Uccello trazaba las formas universales. Jamás comprendió por qué prefería contemplar líneas derechas y líneas arqueadas a mirar la tierna figura que se tendía hacia él. A la noche, cuando Brunelleschi o Manetti iban a estudiar con Uccello, ella se dormía, después de medianoche, al pie de las rectas entrecruzadas, en el círculo de sombra que se extendía bajo la lámpara. A la mañana, se despertaba antes que Uccello y se alegraba porque estaba rodeada por pájaros pintados y animales de color. Uccello dibujó sus labios y sus ojos y sus cabellos y sus manos y fijó todas las actitudes de su cuerpo; pero no hizo su retrato, como hacían los otros pintores que amaban a una mujer. Porque el Pájaro no conocía la alegría de limitarse a un individuo; no permanecía nunca en un mismo lugar; quería planear, en su vuelo, por encima de todos los lugares. Y las formas de las actitudes de Selvaggia fueron arrojadas al crisol de las formas, con todos los movimientos de los animales y las líneas de las plantas y de las piedras y los rayos de la luz y las ondulaciones de los vapores terrestres y de las olas del mar. Y sin acordarse de Selvaggia, Uccelle parecía permanecer eternamente inclinado sobre el crisol de las formas.

A todo esto no había nada que comer en la casa de Uccello. Selvaggia no se atrevía a decírselo a Donatello ni a los otros. Calló y murió. Uccello representó la rigidez de su cuerpo y la unión de sus pequeñas manos flacas y la línea de sus pobres ojos cerrados. No supo que estaba muerta, así como no había sabido si estaba viva. Pero arrojó sus nuevas formas entre todas aquellas que había reunido.

El Pájaro se hizo viejo y nadie comprendía más sus cuadros. No se veía en ellos sino una confusión de curvas. Ya no se reconocía ni la tierra, ni las plantas, ni los animales, ni los hombres. Hacía largos años que trabajaba en su obra suprema, que ocultaba a todos los OÍOS. Debía abarcar todas sus búsquedas y ser, en su concepción, la imagen de ellas. Era Santo Tomás incrédulo, palpando la llaga de Cristo. Uccello terminó su cuadro a los ochenta años. Llamó a Donatello y lo descubrió piadosamente ante él. Y Donatello exclamó: "¡Oh, Paolo, cubre tu cuadro!". El Pájaro interrogó al gran escultor, pero éste no quiso decir nada más. De modo que Uccello supo que había consumado el milagro. Pero Donatello no había visto sino una madeja de líneas.

Y algunos años más tarde se encontró a Paolo Uccello muerto de agotamiento en su camastro. Su rostro estaba radiante de arrugas. Sus ojos estaban fijos en el misterio revelado. Tenía en su mano, estrictamente cerrada, un pequeño redondel de pergamino lleno de entrelazamientos que iban del centro a la circunferencia y que volvían de la circunferencia al centro.

Marcel Schwob - Vidas imaginarias

2009-01-14T02:22:00.000-08:00

2009-01-11T13:38:00.000-08:00

2009-01-05T06:03:00.000-08:00

Me gustó mucho mi rincón calentito de trabajo.

Mulier

2009-01-05T05:24:00.000-08:00

Porque ya no soy tuya.

La siguiente propuesta expositiva aborda la feminidad desde un punto de vista vergonzante. Ese es el sentimiento que debería irrumpir en nuestras mentes cuando escuchamos de una forma tan reiterada locuciones como “violencia de género”, “violencia hacia mujeres” o “violencia machista”. Son denominaciones que han ingresado poco a poco, aunque sin pausa, en el mensaje contemporáneo y que nunca deben ser asimiladas e interiorizadas y así no amputarles su capacidad de impacto.

Mi obra surge para ingresar en un imaginario que el homo imago actual puede poner a su disposición. Hoy en día el mundo es imagen, las imágenes han tomado posición/posesión y pasan a formar parte de un intrincado proceso reflexivo. En este punto yo me cuestiono si es uno de los pocos mecanismos efectivos. Mi propuesta expositiva aborda, en clave satírica, la que yo considero la causa más obscena de cualquier tipo de maltrato, el poder ejercido sobre un igual que en ese momento deja de serlo.

La obra intenta hablar de esta posesión descontextualizándola de los tradicionales ámbitos físicos o psicológicos para transformarla en algo mucho más evidente. El libro o las piezas de joyería podrían ser el estado último al que aspira el maltratador; son el poder definitivo sobre la imagen que antes era vida, que estaba dotada de movimiento, que era, más bien, un holograma. Los trozos de piel o de carne deben comparecer y enfrentársenos uno a uno como si se tratase de un duelo. Son el resultado de un proceso de sinécdoque en el que el cuerpo se ha desmontado como forma explícita de denuncia.

En una búsqueda incesante de posesión del contrario el holograma se transformará en joya, se congelará en calidad de fetiche. De la misma forma la piel se materializa en tapiz cuyas páginas la actualidad va pasando en forma de cifras

74 muertas en 2007

73 muertas en 2008

2 denuncias

48 horas

47’2% extranjeras

y un largo etcétera...

tapiz de imaginería

2008-12-14T14:11:00.000-08:00

Tamaño: 100 x 140 cm
Soporte: papel de seda sobre obleas
Técnica: impresión a chorro de tinta de dibujos en grafito y fotografías

En origen, el cuerpo fragmentado acude a nosotros en forma de sinécdoque, cada parte es representativa de un conjunto demasiadas veces aprehendido. En este punto comenzaron mis problemas: ¿acaso la rotura podría en algún momento llegar a ser verdaderamente efectiva? ¿No es verdad que en el imaginario de esculturas clásicas que podemos haber construido en nuestra mente, la fragmentación alegórica es un requisito fundamental para sentar las bases de anatomía clásica...? Demasiados problemas y demasiados campos semánticos.

Conocer el cuerpo es abrirlo y fragmentarlo. De esta forma, el análisis de cada uno de sus componentes permite conseguir un perfeccionamiento que podrá culminar en la presentación del cuerpo al completo. Sin embargo no quiero plantearme este futuro análisis de las partes como un “medio para alcanzar una mayor gloria”.

Mi tarea consistió en eliminar por completo el conjunto del que hablamos, partir de piezas desconocidas para poder encajarlas más adelante. Era necesario descontextualizar las partes, despedazar los procedimientos y valores y saborear los fragmentos. Era necesario el canibalismo.

Se rajan los esquemas en una acción violenta que trocea un cuerpo sangrante, un fetiche, un cuerpo/objeto del deseo. El resultado del combate es sin embargo amnésico. Cada una de las partes, aséptica, entintada, es ahora susceptible de aparecer en un libro de cocina caníbal.

Los procedimientos quedan en el olvido. La moral no importa. No es una detractora real del movimiento caníbal, la forma en que lo niega es sólo apariencia impulsada por el terror de la sinécdoque.

Si he conseguido eliminar por completo estas uniones, como era mi objetivo, cada uno de los 12 platos que integran los menúes del libro de Tántalo no podrá generar otra cosa que apetito en su calidad de materia prima. Si quisiésemos darle importancia a la moral, a modo de justificación diré, que, en este recetario simplemente he decidido continuar una tarea pendiente de uno de los condenados del Tártaro. Y creo que no entraría en conflicto con los designios de los dioses del panteón griego, ya que ellos condenaron al semidiós por poner en duda su poder, no por despedazar a su hijo.

Para cada uno de los 12 platos que forman mi recetario he tomado como referencia el libro que publicó Ferran Adrià, un compendio con todos sus trabajos culinarios entre 1998 y 2002. Soy consciente de que cada uno de los míos, con imaginarias aportaciones suyas, están ideados para paladares aún inexpertos, pero tengo todas las esperanzas puestas en poder solucionar pronto esta dificultad.

Me gustaría preguntarme también el por qué de las reticencias que ya he entrevisto, del miedo a abrir en canal, a despedazar, a fragmentar y luego ofrecer en bandeja de plata, pues estos acaban siendo los requerimientos fundamentales para la redención. San Bartolomé fue despellejado vivo, San Lorenzo achicharrado en una parrilla y ambos martirios fueron la llave de su eternidad. También lo fueron para una eternidad portando la hoja de palma y ofrecernos en una bandeja, como un camarero en un restaurante, aquellos órganos de los que se desprendieron en su día.

Pero para hablar de canibalismo y cuerpo es requisito fundamental mencionar al cuerpo por excelencia y su ritual correspondiente: cristo y misa.

La tortura y el calvario de cristo son el símbolo de la mutilación y el despedazamiento. La deglución, una forma de contacto y asimilación, la posibilidad de llegar a la prolongación del conocimiento a partir de los preceptos del alimento. En definitiva, una promesa de redención.

“De verdad os aseguro que, si no coméis de la carne del hijo del hombre y no bebéis su sangre, no tenéis vida en vosotros. El que come mi carne y bebe mi sangre, tiene vida eterna; y yo le resucitaré en el último día.”

San Juan 6, 53-54

¿Puede alguien resistirse a estas promesas? Si hay resistencia, ¿abatirá al creyente por hacerle reprimir algo que viene de lo divino?

De ahí surge la idea de un tapiz redentor, constituido por reliquias de un imaginario simbólico y realizado a su vez sobre las herramientas de un canibalismo también simbólico: las obleas son el cuerpo de cristo, una enajenación por medio de la represión.

Para este tapiz redentor es precisa la mutilación aparecida en forma de manos y pies amortajados. Si antes era necesario eliminarlos como resultado de la sinécdoque, ahora aparecen en escena solos, bueno, solos no, con su mortaja. Después de la descontextualización y el precocinado es posible volver al conjunto, a la asimilación. Por sus manos y pies asimilamos el cuerpo de cristo y por las obleas qué debemos hacer con él de manera simbólica...

¡A comer!

VERO - ICON

2008-12-14T12:23:00.000-08:00

Bailando las sombras

2008-12-14T05:04:00.000-08:00

2008-12-11T12:30:00.000-08:00

Menú de invierno

SNACKS

Chicharrón de hombro

PEQUEÑAS LOCURAS

Mosaico de crocant óseo con pipas de calabaza y chocolate

TAPAS

Espuma caliente de seso al falso tartufo

PLATOS

Esternocleidomastoideo y alrededores con enokis y salsa de huevas de trucha

AVANT-POSTRES

Tagliatelle de seno con polvo helado de mató

POSTRES

Piel en declinación

2008-12-11T12:25:00.000-08:00

Menú de verano

CÓCTELES

Cuchara de óculo y piña colada

TAPAS

Empanadilla de embrión ibérico con trufa de verano al aceite de carbón

PEQUEÑAS LOCURAS

Croustillant cervical con maíz frito

PLATOS

Cigalas al tuétano natural

AVANT-POSTRES

Sorbete de roquefort con gelatina caliente de lengua y manzana al limón

POSTRES

Pene helado con mango y vainilla

El libro de Tántalo II

2008-12-09T11:47:00.000-08:00

prensa de encuadernación casera

2008-12-09T11:08:00.000-08:00

estenopeica

2008-12-09T10:51:00.000-08:00

El libro de Tántalo

2008-12-03T10:27:00.000-08:00

Bartholomeus

2008-11-26T15:02:00.000-08:00

El libro de Tántalo

2008-11-26T14:51:00.000-08:00

Rayogramas

2008-11-23T10:23:00.000-08:00

bailando

2008-11-20T15:03:00.000-08:00

391

DANCER LOCOMOTION

“En el año crucial de 1907 (el de la gran ruptura picassiana) una tal mademoiselle Aymos dio un espectáculo especial en el Follies Pigalle de París; bailó desnuda tras una tela metálica con proyecciones luminosas que disimulaban parcialmente su anatomía, pero aún así causó un escándalo considerable y fue denunciada por ultraje a la moral. El tribunal se vio obligado a determinar los límites que separaban el desnudo supuestamente artístico de la indecencia, y dejó establecido que la vision d’art exigía un cuerpo maquillado de blanco, ausencia de vello púbico e inmovilidad de estatua”

Esta prohibición es sin duda la prueba feaciente de las pulsiones que la visión de un cuerpo desnudo en movimiento provoca en nosotros, meros mortales. Todas ellas enajenan al sujeto y lo sueltan al vacío sin que pueda tener a mano los fuertes lazos de la moralidad. La posesión del cuerpo es siempre una consecuencia inherente a su desnudez, y mucho más si ese cuerpo danza, se agita, convirtiendo nuestra quietud en su inquietud.

El bailarín se desliza ante nosotros con una serie de movimientos improbables y exclusivos, saboreando el proceso de cambio. Su objetivo no es alcanzar el estado de quietud tras la economía de los movimientos, sino deleitarse con el trazado invisible sobre las tablas.

Danzar forma parte de otra existencia compuesta por valores límite de nuestras facultades. Tanto, que la prolongación de este estado de manera incontrolada puede conducir a la locura (Giselle ballet en dos actos con música de Adolphe Adam, coreografía de Jules Perrot y Jean Coralli y libreto de Théophile Gautier y Jules-Henri Vernoy, basado en la obra De l'AllemagneHeinrich Heine) o incluso a la muerte (Las zapatillas rojas película de Michael Powel). (1835) de

Si consideramos de este modo el estado del danzante, ¿cómo podemos obviar el del espectador? Otra prueba feaciente para este caso (ya que de demostraciones de interés científico va la cosa) es Salomé. Ella es la danza y ella es el dibujo y el desencadenante de una serie de respuestas que, aunque ofrendas, la conducen a la destrucción.

La voluntad de poder se manifiesta en el espectador en crescendo: necesidad de ver, necesidad de tocar, necesidad de poseer, necesidad de rajar, necesidad de comer...

“De una declaración similar a la del tribunal anterior parece desprenderse que no se habrían admitido en aquella época las instantáneas de Edweard Muybridge sin el pretexto o paraguas protector de la ciencia. Estamos hablando de la más completa y sistemática disección fotográfica del movimiento humano (y animal) que se haya emprendido jamás: Animal Locomotion (1887) contenía 781 láminas, con unas 20.000 fotografías individuales, una empresa heroica y de una importancia capital, comparable solamente, salvando las distancias, a esa apoteosis artística de la desnudez corporal que fue en su época el Juicio Final de Miguel Ángel.

(...)

Sin embargo, en sus fotografías podemos darnos cuenta de que los hombres están condenados al espacio físico, a la pelea y a la guerra; las mujeres son esclavas de las tareas domésticas, de una coquetería ociosa y de su dedicación tácita a los ejercicios del amor. Hay bastantes láminas con dos mujeres, siempre desnudas, que juguetean, se bañan o bailan juntas, como si Muybridge no hubiera podido disimular completamente el origen pornográfico de aquella clase de representaciones. La apelación a la ciencia es una coartada. En Animal Locomotion había tanto menosprecio implacable por el ser humano como anhelo inconfesado por los cuerpos. Fijarlos para siempre, detener como en una visión panóptica total cada fase de un movimiento...”

En su proceso Muybridge detiene el movimiento y despedaza el desnudo gracias a un aséptico análisis del cuerpo a través de sus vistas: alzado, planta y perfil. Pero a mi juicio se trata de un despedazamiento sin sangre aparente, huellas o indicios de violencia gracias al indudable palio del “interés científico”. Muybridge enarbola el bisturí para despiezar cuidadosamente al danzante sin verter una sola gota de sangre. En su proceso no hay trazas de la ya mencionada voluntad de poder.

En virtud de todo esto pensé en que los procesos de acotación, normalización y vistas en el diseño industrial son etapas imprescindibles a la hora de construir o simplemente analizar piezas de forma mecánica o científica. Todos estos procesos son de indudable interés científico.

La Flamenca que Picabia realizó para la portada nº 3 de la revista 391 es una auténtica bailarina. Acaba constituyendo una exhibición o imagen desnudada de representación en la que el artista trata de convertir en real la metáfora y se somete a un proceso inverso, una forma de salvarla.

¿Y si nosotros en lugar de salvarla y someterla a los más terribles impulsos nos limitamos a analizarla eliminando su poder? ¿Y si la croquizamos y acotamos? ¿ y si descubrimos que la Flamenca no es otra cosa que una válvula de inyección y un tornillo encajados entre sí? Esta es la peor forma de desvirtuar un cuerpo sin duda alguna.

Y vuelvo a decir, dejando cuestiones morales al margen, prefiero la violencia imaginaria justificada por mis propias pulsiones que esta misma transformada en un anhelo inconfesado y analítico.

chof

2008-10-28T02:28:00.000-07:00

Anatomía V

2008-10-28T02:05:00.000-07:00